现代主义音乐的起源是什么？是怎么样得到进一步进展的

这可以在19世纪许多浪漫主义作曲家如F.特、□.П.穆索尔斯基、E.格里格等人的作品中看到。

德国作曲家R.瓦格纳最强有力地促进了古典大小调式和调性功能的瓦解，由此导向了“不协和音的解放”(勋伯格语)。

在瓦格纳的作品中，他采用了许多半音化和弦的进行，和声从调式主音的束缚下被解放出来，传统的大小调式和调性关系开始动摇了。

流派 以法国作曲家C.德彪西为代表的印象派音乐是向现代音乐过渡的最重要的流派。

它最终完成了古典调性与和声功能的解体，因此对20世纪的西方音乐发展有着无法估量的影响。

在印象派音乐中，不协和音的运用非常自由，它几乎取得了与协和音程平等的地位。

由于大量使用全音阶、教会调式、平行和弦、不解决的七九和弦、叠置和弦等技法，印象派的音乐在音高组织方面极大地突破了传统的音乐规律。

此外，为了追求新颖的听觉效果，表现朦胧光色中的情调和气氛，印象派音乐在节奏上打破均衡性，在曲式上反对对称性，在音色上要求透明性，这一切都离开了以往传统音乐的惯例和法则，而为20世纪的音乐打开了大门。

除了的法国作曲家M.拉韦尔外，其他很多作曲家虽不属于印象派，但都受到了印象主义音乐的强烈影响，如法国的P.迪卡斯、意大利的O.雷斯皮吉、英国的F.迪利厄斯和西班牙的M. de法利亚等。

表现主义与十二音音乐 紧跟在印象派之后产生的，在美学思想和创作技巧上都与印象派截然不同的，作为现代音乐的第一个流派是表现主义音乐。

表现主义是在第一次世界大战前出现于德国的一种艺术流派，战后在欧美。

1911年活跃在德国的俄罗斯画家В.康定斯基(1866～1944)与画家F.马尔克(1880～1916)、A.(1887～1914)等创办了《青骑士》杂志，其中不仅刊载了康定斯基等人的绘画，而且还发表了许多关于戏剧、绘画、诗歌等方面有关表现主义的理论，其中亦有奥地利音乐家A.勋伯格的著作，从而掀起了表现主义运动。

表现主义 发自绘画方面的表现主义，其矛头所向是印象主义的客观性。

他们认为艺术既不应该“描写”，也不应该“象征”，而应该直接表现人类的精神与体验，即艺术并非“描写客观眼前所见之物”，而是要“主观地表现物体在我们眼睛中所出现的姿态”，也就是说要把作者的心灵世界、即所谓内在精神表现出来，而这种心灵世界和内在精神却是和疯狂、绝望、恐惧与焦灼不安等病态感情以及“人类的不可思议的命运”等结合在一起。

音乐上的表现主义是以奥地利的勋伯格及其弟子A.贝格和 A.von韦贝恩为代表。

他们追求形式上的绝对自由，打破旧有的传统等观点上与绘画上的表现主义一脉相承。

表现主义的音乐与旧有传统完全相反，它完全无视过去的调性规律。

把八度中十二个半音给以同等的价值，舍弃传统的主音、属音等观念，因而使无调性占有绝对优势。

由于旧有的旋律轨迹被破坏，使得旋律既无均衡，也无反复，因而仅是一连串独特的音的连续。

此外，节奏难以捉摸，拍子也被无视。

在形式上，由于无视因袭的收束式、反复法与平衡法，故显得非常自由。

但它那基于新的理论建立起来的形式，却具有独特的、流动的、无限发展的奇妙特色。

在对位方面，有离开传统和声的感觉，成为复合的自由的旋律线的进行，即所谓线形的自由对位法。

在乐队编制与配器法上，和后期浪漫主义所追求的庞大结构与音响的夸张不同，而是采取精致而纯朴的小编制，常有明显的室内乐性。

它的色彩不象印象主义那般幽玄茫漠，而是单纯、明快而强烈。

典型作品 勋伯格早期的说白歌唱《月迷的皮埃罗》和单人剧《期待》是典型的表现主义的作品。

前者系根据颓废派诗人A.吉罗的诗写成，描写一个神经质的诗人皮埃罗望月狂想中的种种情景，忽而是绞刑架，忽而是老太婆疯狂的情欲，忽而是狂想者自己当了祭司，主持“血色的弥撒”，掏出血淋淋的心脏，祈求神的赐福。

整个作品充满了恐怖、狂乱、怪诞的内容。

《期待》则写了一个女人穿过阴暗的森林寻找情人，而找到的却是情人的尸体的故事。

勋伯格要求演出时“要使听众了解她在森林中充满恐惧，整个演出要使人不失去一场恶梦的印象”。

这些作品中，勋伯格不仅使用无调性和失去和声感的对位，并且使用了极度夸张的语调化旋律，称为“说白歌唱”。

贝格作为表现主义的代表作是两部歌剧《沃采克》、《露露》和《小提琴协奏曲》等。

《沃采克》是根据19世纪德国作家G.毕希纳一部未完成的悲剧改编而成，内容描写军营里的理发师沃采克，为养活情人和孩子，他以每天3分钱的廉价给医生作“实验的动物”,在他经受贫困与凌辱的时候,玛丽却被军乐长诱骗失节,沃采克在失望与痛苦中将她杀死，自己投湖自尽。

这部悲剧在一定程度上反映了德国封建社会的黑暗，对被侮辱被损害的人给予同情。

但是，由于过分着笔于嫉妒、绝望、疯狂的心理刻画，也反映了表现主义的病态和神经质的消极性。

成因 勋伯格、贝格等人的表现主义在音乐思维上的进一步发展，就是在自由无调性音乐中寻找逻辑统一的基础。

直觉和感性不能保证无调性音乐的连贯和统一，因而必须依靠理性的约束，这就出现了十二音音乐。

勋伯格把音阶中十二个半音，分为若干个音列，每个音列的各个音既不重复又不因连续而产生功能和声感的音列(组)。

这种以“音列”及其各种变形为基础的作曲技法，使作 曲家能够在一个有限的范围内，充分发挥创造性，同时 它也保证了无调性音乐作品(尤其是大型作品)的结构统一性。

它也许是传统调性思维解体以后，所出现的最具有独特意义的一种音乐思维方式。

勋伯格、贝格和韦贝恩都以各自的实践证明了这种思维在音乐中的可能性。

历史 1923年勋伯格在《五首钢琴曲》和带独唱的室内乐《小夜曲》的某些段落中，开始运用十二音音乐的创作技巧。

贝格用十二音音乐写过《小提琴协奏曲》和歌剧《露露》等。

韦贝恩则把勋伯格的十二音技法进一步发展成为“序列音乐”，后又和他的继承者把“序列”扩大到与旋律、节奏、力度、音色结合，形成所谓“整体序列”。

韦贝恩在晚年又创造了“点描音乐”,用许多被休止符隔断的短音和音组构成乐曲，象一幅“点描派”图画。

他的主要作品有《钢琴变奏曲》(作品27)、《六首小曲》(作品 9)、《管弦乐变奏曲》(作品30)以及许多声乐曲。

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